15. Cómo crear obras de dibujos animados

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Guiones y guionistas

Hoy vengo dispuesto a reír porque vamos a hablar de dibujos animados como decimos en España, o “caricaturas o dibujitos” como se conocen en algunas zonas de Hispanoamérica, o “monitos animados” como dicen en Chile, o “comiquitas” como los llaman en Venezuela, o “muñequitos” si son colombianos o si estamos en país anglosajón, cartoon. Y como el mundo de la animación cada vez abarca más públicos y temas me voy a centrar en el dibujo animado infantil.

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Esencia del medio

Lo primero, como siempre, es identificar cuál es la esencia del medio del que estamos tratando para ver después cómo adentrarnos en la creación de sus guiones. Los dibujos animados infantiles se identifican por dos elementos, por un lado la técnica, es decir estar creados por animación le da a la obra unas características que la hacen única, y por otro el target al que van dirigidos, los niños, que influencia en los temas, estética y sobre todo en el guion, como veremos a continuación. Estos dos elementos suelen ir de la mano, pues no es casualidad que las primeras imágenes que suelen ver los niños, ya sea en libros o en televisión, suelen ser dibujos. Y estas imágenes dibujadas les acompañan hasta la preadolescencia o, en el caso de la animación de adultos, toda la vida.

¿Cómo crear el guion de una obra de dibujos animados?

Ahora vamos a seguir unos pasos para ver cómo podemos crear una obra de dibujos infantiles. Por lo menos la creación del formato y el guion, faltaría toda la parte gráfica pero eso no entra dentro de los límites de este humilde podcast.

1. Elegir la edad de nuestra audiencia.

Como ya vimos, es definitivo tener claro el target al que vamos a dirigirnos, pero hablar de audiencias infantiles es marcar un target demasiado amplio. Hay que acotar más. No es lo mismo que sean bebés o niños de menos de dos años, a que sean niños de seis o preadolescentes de doce. Y si tenéis dudas id a la sección infantil de Netflix, te la dividen por aprendizaje temprano, niños con edad preescolar, niños entre 5 y 7 años, para ver en familia, etc…  La animación infantil suele ser una mezcla de diversión con pedagogía, y dependiendo de la edad a la que nos dirijamos la balanza se inclina a un lado o a otro. En la creación de una serie de animación infantil suelen trabajar pedagogos que asesoran sobre qué es mejor mostrar o qué no y cómo hacerlo según sea a la edad a la que se dirigen los dibujos. Como sabemos los que tenemos hijos pequeños, el proceso de aprendizaje de un niño cambia semana a semana, pero hay ciertas constantes que se pueden establecer por la edad. Es fundamental que las conozcamos antes de empezar.

Si queremos dirigirnos a una audiencia más amplia deberemos crear una historia con varias capas, como una cebolla, para que cada capa interese a un tipo de espectadores. Esto lo conocen bien los autores de películas de Pixar o Dreamworks, que saben a enamorar a los niños con sus personajes divertidos pero también a los mayores que les llevan al cine, a los que cautivan con su ingenio y personajes emocionantes.

Por cierto no sé si habéis leído ya las “22 reglas de la escritura según Pixar” que llevan apareciendo en muchos post desde el año 2011. Son unas normas y consejos que Emma Coat, una artista de storyboard de Pixar, subió a twitter y que resumen la filosofía creativa de la compañía. Si no las habéis visto, buscadlas porque no se refieren solo a las historias de animación, sino que nos sirven para todas las historias y son consejos para encontrar ese vínculo emocional con los personajes que tanto caracterizan a sus películas.

2. Crear los personajes protagonistas y el universo de la historia.

Una vez tengamos claro a quién nos dirigimos podemos pasar a buscar quiénes serán los personajes protagonistas de nuestra historia y en qué universo narrativo se moverán. Veamos algunos posibles tipo de personajes principales.

  • Niños. A los niños les encantan ver otros niños en la pantalla. El proceso de identificación que se suele dar en todas las edades, con los niños es mucho más poderoso porque tienen menos vivido y menos referencias. Niños viviendo aventuras con otros niños, como en Jack y los piratas, niños viviendo aventuras con animales, como Pocoyo o Dora la exploradora, y niños con familiares como Charlie y Lola o incluso buscando a su madre como Marco.
  • Animales. Desde que nació el género de la animación infantil se ha utilizado como protagonistas de las historias a animales que hablan y tienen comportamientos y emociones humanas. Recordamos que el ratón Mickey cumple actualmente 90 años. Y aunque Disney lleve décadas contando historias donde los protagonistas son animales humanizados no son los únicos. ¿Os suenan Pepa Pig, Bob esponja, Kunfú Panda, La abeja Maya, El gato con botas o Madagascar?
  • Objetos con vida. No solo se pueden humanizar los animales, también los objetos pueden animarse y cobrar vida. Con el cortometraje Luxo Jr, en que se animaba a un par de lámparas, Pixar comenzó su exitosa andadura repleta de objetos con emociones humanas como los coches de Cars o los juguetes de Toy story.
  • Seres especiales y fantásticos: Cuando se trata de animación y de audiencia infantil la imaginación se desborda. Surgen comunidades de seres fabulosos como Los pitufos, Los minions, Los gnomos o Los teletubbies que conviven con seres de cuentos como Shrek y Pinocho, animales legendarios como dinosaurios o dragones, y por supuesto una colección de superhéroes y supervillanos que demuestran que todo es posible y creíble en la cabeza de un niño sin límites a su imaginación.

Una vez creados los personajes principales hay que situarlos en un contexto y una época. Aquí las opciones tampoco tienen límites. Por ejemplo, si elegimos un grupo de dinosaurios como protagonistas de nuestra historia. ¿Cuál es su relación? ¿son familiares, amigos, enemigos? ¿Dónde se encuentran? ¿en la naturaleza, en la ciudad, en una civilización perdida? ¿En qué época pasa la historia? ¿en la prehistoria, en la actualidad, en el futuro o incluso pueden ser dinosaurios que viajan en el tiempo por todas las épocas?

Os pongo un par de ejemplos reales para que veáis hasta dónde se pueden combinar estos elementos. La serie Dinotren está protagonizada por un curioso joven tiranosaurio llamado Buddy (Bruno en Hispanoamérica), quien, junto con su familia adoptiva de teranodones, toma el Dinotren para conocer, explorar y tener aventuras con todo tipo de dinosaurios. Y la futurista serie Dinotrux, donde los personajes son mitad dinosaurio, mitad máquina, una especie de transformers.

3. Decidir qué técnica de animación se utilizará en la obra.

La animación brinda muchas oportunidades para recrear mundos y estéticas diferentes, pero hay que decidir qué técnica utilizar pues cada método puede ofrecer cosas diferentes.

La técnica más utilizada es la animación en 2 D, que tradicionalmente se hacía dibujando los fotogramas uno a uno y después se fotografiaban y se colocaban en secuencia para dar la sensación de movimiento. Obviamente todo esto se ha transformado con la llegada de la computadora y ahora casi todas las animaciones se hacen con el ordenador. De hecho, ya la mayoría se hacen con animación 3D que proporciona volumen a los dibujos y más sensación de realidad.

Aunque teóricamente no serían dibujos animados, porque los personajes no estarían dibujados, popularmente también se incluyen en el término otras técnicas de animación como el stop motion que sirven para animar objetos en volumen. Estos objetos pueden ser de un material moldeable, como la plastilina o la arcilla, o pueden ser objetos sólidos. También hay otras técnicas como la animación de recortables, pinturas sobre cristal, animación sobre arena, pintura sobre celuloide…

4. Decidir el formato de la obra y su estructura.

¿Qué formato va a tener nuestra historia? ¿Va a ser unitario, ya sea un cortometraje o un largo, o va a ser seriado? En el caso de ser seriado los dibujos animados suelen tener algunos códigos ya preestablecidos, como que sean capítulos episódicos, es decir cuyas tramas empiecen y acaben en el propio episodio. Así se garantizan que los capítulos no necesiten verse de forma ordenada. Durante el episodio pueden surgir los hechos más caóticos y sorprendentes, pero al final de la emisión de resuelven todas las tramas y el universo de la serie vuelve a empezar de nuevo.

La duración de los capítulos de dibujos animados no suele pasar de los 25 minutos, incluso las series creada para los niños más pequeños tienen menor duración, entre 5 y 10 minutos, para no forzar su atención. En su emisión se suelen agrupar y al final serán los padres los que decidan la cantidad de episodios y tiempo frente al televisor que consuman sus hijos.

5. Abordar el contenido de la obra: el tema, el argumento y la sinopsis.

Las historias de la animación infantil suelen surgir de cuentos tradicionales y leyendas fantásticas, pero también de hechos cotidianos. Como veíamos cuando hablábamos de los personajes, la imaginación y la creatividad son los ingredientes principales de las historias y los niños jugarán con todo lo que les ofrezcamos. Pero no hay que olvidarse que con las historias también adquieren valores, ideas y normas que conformarán su actitud ante la vida. Por eso hay que tener cuidado con lo que escribimos.

Por ejemplo el tema de los roles de género. Yo observo que actualmente es muy evidente que existen dibujos animados para chicos y dibujos para chicas. Cuesta encontrar encontrar animaciones que no sean sexistas. Si vemos la clasificación de Netflix, hay listas de “Superhéroes” para chicos y “superprincesas” para chicas… aunque para compensar también tienen otro epígrafe titulado “Chicas líderes”. Ahí radica la importancia en encontrar ese equilibrio entre la diversión y la pedagogía que debe reinar en este tipo de relatos. No deberíamos olvidarnos que además de divertirlos estamos formándoles.

6. Escribir los guiones.

La última fase, antes de que el trabajo pase a los encargados de la imagen, es decir, a los directores, dibujantes y animadores, sería la escritura del guion. Sobre la escritura de guiones ya hablo en suficientes podcast por lo que voy a apuntar algunas cosas específicas de este género.

  • La interacción con los niños. Como comprobamos cuando vamos al teatro infantil o a los títeres, los niños son un público que está acostumbrado a interactuar con las historias. Los personajes interpelan con preguntas a la audiencia infantil o les hacen repetir expresiones y ellos contestan y repiten. Son un público muy activo. Esa interacción se traslada a los dibujos animados con mucha naturalidad. En Pocoyo se rompe la cuarta pared y los personajes y el narrador interpelan a los espectadores, en Dora la exploradora proponen adivinanzas a los niños y les hacen repetir expresiones en inglés, en Loui el personaje pinta y explica cómo hacer los dibujos invitando a que le imiten, en Zoobabu un narrador propone adivinanzas a los niños, que deben adivinar qué animal se esconde dentro de cada caja.
  • Las canciones. Otro elemento fundamental en los dibujos animados son el uso de las canciones. Los niños están acostumbrados a cantar desde pequeños y les encantan las canciones en los dibujos animados. Canciones que se aprenden y repiten siempre que aparecen ejercitando memoria y capacidades musicales. Pero las canciones no son solo un elemento para entretener sino que, como en las películas musicales, se integran en la ficción y las letras ayudan a entender la historia.
  • El lenguaje no verbal. Dependiendo de la edad, muchos niños ven dibujos mientras están aprendiendo a hablar y entender el mundo, por lo que la imagen tiene una importancia mayor que en la ficción de adultos. Las historias se deben comprender con pocas palabras a partir de la información visual que transmiten los dibujos. Ahí radica también la importancia del slapstick y el humor visual. Slapstick es el tipo de humor visual que hay por ejemplo cuando alguien tira una tarta a otro a la cara o cuando el Coyote se cae por un precipicio tras perseguir al Correcaminos. Son acciones exageradas de lo que podríamos denominar violencia física pero que no dejan consecuencias reales de dolor. Siempre el Coyote se vuelve a levantar y seguir persiguiendo al Correcaminos.
  • El maniqueísmo. El mundo de las historias infantiles es mucho más maniqueo que el real, los buenos son muy buenos y los malos muy malos. Y las historias suelen tener una moraleja o enseñanza. Hay personajes protagonistas complejos como Pepa Pig (¿Cómo? ¿dije que Pepa Pig es complejo?) que se muestra a veces individualista y egoísta, pero siempre al final del capítulo su actitud deja una enseñanza: su actitud egoísta tuvo malas consecuencias y Pepa aprende la lección.

Si queréis crear una serie de dibujos animados también os aconsejo escuchar los podcast que hice sobre cómo crear la biblia de una serie y el capítulo piloto. Y para profundizar más está el curso sobre Biblias de series.

Si quieres aprender el oficio de guionista te aconsejo que pruebes los cursos de guion de la Plataforma Guiones y guionistas. Te darán una formación integral para convertirte en guionista profesional. Hay cursos para escribir cortos, series, webseries, concursos…

Con esto acabamos el podcast de hoy, donde hemos visto cuáles son las características de los dibujos animados y cómo crear una obra de dibujitos. Quiero agradecer a todos que estéis ahí y si os interesa el mundo del guion, suscribíos a Guiones y guionistas, tanto al podcast en Itunes como a la página de Facebook, lo compartís en las redes sociales, e incluso podéis valorarlo con 5 estrellas en Itunes o le dais un “Me gusta” en Ivoox, y así llegar a más gente. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. 


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